Q： 一般的な創作絵画と伝承仏画を描く者（作者）の心構え（法律・倫理）の違いはありますか？

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A：伝承仏画と創作絵画の目的、方法、著作権的側面からそれぞれ区別して応えようと思います。

創作絵画と伝承仏画は、目的・制作方法・「個性をどう扱うか」という点で大きく異なります。著作権の話ともつながる部分があるので、その視点も交えて説明しておこうと思います。
例えば、今まで5000点以上の仏画を描いて全国のご寺院に納めてきた私、正観の場合は、完成した仏画に私の存在など感じられるものであってはならないとさえ思っています。個性や我を殺すことを主願に仏画を描いてきました。このことはまた別の機会にお話しできればと思うのですが、表題の件に戻ります。

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目的の違い

創作絵画は、画家自身の発想・感情・美意識を表現することが目的です。何を描くか、どう描くかは基本的に自由で、独創性そのものが評価の対象になるように思われます。

一方、伝承仏画は信仰・儀礼のための図像であり、目的は「正しい姿の仏を、定められた通りに描き継ぐこと」が基本です。

仏や菩薩の姿、手の形(印相)、持ち物、配色、配置などは経典や儀軌(ぎき)と呼ばれる規定、あるいは師から弟子へ伝わる伝統に厳密に従う必要があります。そのうえで、なおかつ筆者の仏教の主軸である「慈悲心」が線の一本一本に感じられるように描き切るのが、完成度に対する重要な評価対象となります。極端に言うなら「我」が出れば失敗なのです。

 

制作方法の違い

創作絵画では、構図や表現方法を画家が自由に決めます。同じ題材でも画家ごとに全く異なる作品になるのが普通です。

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伝承仏画の世界では、「白描画（はくびょうが）や粉本(ふんぽん)」などと呼ばれる手本・型紙が代々受け継がれ、絵師はそれを忠実にトレースするように学び、再現することが基本的な訓練であり、完成作品の正統性の根拠にもなります。つまり、模写そのものが正しい技法であり、独自にアレンジすることは多くの流派でむしろ望ましくないとされます。
これは「模写・トレース」が現代の創作の文脈では問題視されるのとは対照的で、伝承仏画では型を忠実に守ることこそが評価基準の基本原則となります。

 

オリジナリティ・著作権の観点から見た違い

日本の著作権法は「思想又は感情を創作的に表現したもの」を保護対象とします。創作絵画は画家独自の表現が前面に出るため、通常は明確に著作物として保護されます。

対して、儀軌に厳密に従って描かれた伝統的な仏画図像は、図像そのもの(仏の姿や配置の決まり)に関しては、何百年も前から共有されている「型」であり、個々の絵師の創作的表現というより、伝統の継承という性格が強くなります。

実際、古い仏画(特に作者の没後70年以上経つもの)は著作権が消滅しているため自由に模写・参照できますし、たとえ現代の絵師が描いたものでも、儀軌に忠実な部分について独自の創作性をどこまで主張できるかは、絵画一般より議論の余地があります(筆致や彩色の細部など、絵師個人の技量が表れる部分には創作性が認められやすい一方、図像構成そのものは型に基づくため保護の範囲が狭くなりがちです)。

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まとめると

創作絵画は「個人の独自表現」が本質であり、それゆえ著作権で保護される対象になりやすいのに対し、伝承仏画は「型を正確に継承すること」が本質であり、模写・再現自体が正統な制作行為とされ、それにプラスして、筆者の単なる個性ではなく、優れた精神性（慈悲心）が伴っていることが評価対象になり得るという点が最も大きな違いです。

現代の著作権の発想(独創性の保護)と、仏画の伝統的な価値観(型への忠実さの保護)は、ある意味で逆方向を向いているとも言えます。